说起12把大提琴重奏的艺术形式，它打破的不仅是大提琴“配角”的宿命，更是古典音乐的边界。从柏林爱乐12把大提琴的传奇开篇，到中国大提琴重奏组的接力传承，赋予其更加鲜活的本土气质。

　　4月10日晚，捷豹上海交响音乐厅迎来著名大提琴家王健，与上海音乐学院师生联袂登台，以12把大提琴重奏的独特形式，为第三届左岸音乐节拉开序幕。舞台中央，12把大提琴整齐排布成半圆，琴身相依、琴弓共鸣，宛如一群围坐倾谈的老友，在夜色中以乐声叙旧。

　　音乐会的曲目选择堪称一次跨越世纪的听觉漫游。上半场从埃尔加《谜语变奏曲》中“宁录”的宁静崇高出发，经拉威尔《悼念公主的帕凡舞曲》的优雅哀婉、克伦格尔《圣歌》的至诚之美，抵达皮亚佐拉《遗忘》的探戈忧郁与巴伯《弦乐柔板》的深沉悲悯。

　　下半场则从维拉-洛博斯《巴西巴赫风第一号》选段的南美色彩出发，经由莫里康内《天堂电影院》的怀旧温情、德彪西《月光》的印象光影，及至普契尼意大利歌剧的奔放激情，收束于惊喜连连的德雅尔丹《大提琴水彩画》。这条曲目线索以大提琴重奏为统一载体，尽显开放包容的气质，将古典与浪漫、探戈与波兰舞曲以及电影配乐编织成一幅斑斓的音乐织锦。

　　在王健的带领下，12把大提琴在琴弦颤动间，呈现出从低沉醇厚到清亮透明的完整音色光谱，形成一种弦乐独有的拥抱感，这是任何其他室内乐编制都难以复制的听觉体验。其中，《我和你》的演绎尤为动人。12把大提琴褪去原作的简约轻灵，以醇厚悠远的音色全新诠释，低音声部沉稳厚重，高音声部柔和温婉，和声细腻融洽。全曲并无激烈跌宕，却通过不断地转调升华、音色的层次变化与情感的精准把控，将人与人之间的温情与共鸣传递得淋漓尽致。此版经由作曲家陈其钢精心编配，尽显大提琴重奏的情感张力与艺术感染力。作为柏林爱乐12把大提琴的成团之作，演奏家们用克伦格尔的《圣歌》完成了一次深情致敬，在温情圣洁的旋律中，诉说着重奏成员间心意相通的深厚情谊。

　　压轴登场的布莱兹・德雅尔丹《大提琴水彩画》，为整场音乐会画上灵动诙谐的句号。这部为波士顿交响乐团 131 周年庆典而作的作品，以轻快戏谑的喜剧笔触，彻底释放12把大提琴的多元潜能。演奏家们默契配合，“巴赫无伴大”“天鹅”“星球大战”以及诺基亚铃声等各种“乱入”的主题片段，舞台瞬间跃动着妙趣横生的戏剧张力，看似随性的声响交织，实则藏着精巧的声部设计，为整场庄重而深情的音乐会，添上一抹轻松愉悦的亮色。

　　值得注意的是，本场音乐会绝大多数曲目均采用韩国作曲家安圣民的改编版本。他将原作中的管弦乐色彩，巧妙转化为大提琴独有的弦乐质感，充分发挥其音域宽广的艺术魅力。例如开场的埃尔加《宁录》，宽广绵长的气息由琴音依次加入，从独奏渐次铺展为合唱，在大提琴低沉醇厚的低音区演绎下更具感染力与穿透力；而德彪西《月光》则在颤弓与揉弦的交替之间，描摹出月影婆娑、风吹叶动的诗意画面。安圣民深谙大提琴重奏的配器之道，凭借与 Cellista 大提琴重奏团长期合作积累的丰富经验，让12把大提琴在声部分配上既拥有交响化的厚度，又保留了室内乐独有的细腻与亲密。

　　王健曾说，上海的古典音乐市场，在独奏与交响乐领域已经相当成熟，唯独室内乐还有很大的挖掘空间。上海交响乐团数十年来持续培养室内乐听众，从 “上交室内乐”到“上交呈现”，再到近年来的“左岸音乐节”，正弥补了这份遗憾。

　　自 2024 年诞生以来，在音乐总监余隆和上海交响乐团的支持下，这个年轻的音乐节迅速成为上海古典音乐市场的一匹黑马。本届以“时间的编织”为主题，用 12 把大提琴重奏拉开序幕，既是对柏林爱乐 12 把大提琴这一经典范式的致敬，更是中国大提琴重奏艺术在新时代的一次集体宣言。这一点在返场曲目《茉莉花》《我爱你中国》中可窥一斑，醇厚的弦音将东方意蕴与家国情怀娓娓道来，尽显本土大提琴重奏的艺术底气与时代风貌。

　　这场音乐会的特别在于，它同时完成了三重对话：与历史对话，回望克伦格尔、柏林爱乐12把大提琴的经典传承；与当代对话，通过安圣民改编的多元曲目，证明大提琴重奏充满无限活力与可能；与未来对话，以王健为旗帜，以上音师生为班底，让大提琴重奏艺术在上海的土壤上生根发芽。

　　这正是艺术总监左章心中“好听”的理想模样。她在开幕致辞中坦言，王健是她心目中的音乐英雄，正是早年聆听他演绎的勃拉姆斯三重奏唱片，让自己沉醉于室内乐之美，从此成为忠实拥趸并深耕其中。

　　左岸音乐节用兼具艺术深度与听觉亲和力的开幕演出，告诉我们：室内乐的春天，正在上海悄然绽放，而我们，有幸亲历这场温柔的绽放。